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Chamo-me Sebastião Barata e resido em Lisboa. Tenho 79 anos e leio desde muito novo. Uso a minha grande biblioteca para fazer vídeos e áudios que divulgo nas minhas redes sociais. Sigam-me!
Federico García Lorca, nascido em Fuente Vaqueros, província de Granada, em 1898 e falecido em Granada em 1936, foi um poeta e dramaturgo espanhol, conhecido também como músico e artista. Foi o poeta de maior influência e popularidade da literatura espanhola do século XX e, como dramaturgo, é autor da famosa peça “A Casa de Bernarda Alba”.
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“O Fantasma da Ópera” (no original em francês “Le Fantôme de l’Opéra”) é um romance de ficção gótica, escrito por Gaston Leroux. Foi publicado pela primeira vez em episódios em Le Gaulois de 23 de setembro de 1909 a 8 de janeiro de 1910 e em volume em abril do mesmo ano. O romance é parcialmente inspirado em factos históricos da Ópera de Paris durante o século XIX e num conto apócrifo relativo à utilização do esqueleto de um músico famoso em performances de peças no teatro.
O enredo é resumidamente o seguinte: A cantora de ópera Christine Daaé triunfa na noite de gala realizada na Ópera de Paris para celebrar a aposentação dos seus gestores. Raoul, visconde de Chagny, amigo de infância de Christine, ouve-a cantar e revive a sua paixão de juventude por ela. Existem rumores de que a Ópera está assombrada por um fantasma, coisa de que os velhos gestores avisam os novos, mas estes não acreditam e ainda gozam com o caso. Algum tempo depois, a Ópera de Paris encena “Fausto”, com a prima donna Carlotta no papel principal, contra a vontade do fantasma, que queria que o papel fosse para Christine. Os gestores ignoram as ameaças feitas através de uma carta que aparece no seu gabinete assinada por “F. da Ópera”. Durante a representação, Carlotta perde a voz e o grande lustre cai sobre a plateia, provocando o caos.
Como represália, Christine desaparece misteriosamente, perante os olhos de Raoul, através do espelho do seu camarim. Fora raptada pelo fantasma e levada para a morada deste nas profundezas da Ópera onde se identifica como Erik e declara o seu amor por ela. Quando Christine lhe arranca a máscara no meio de uma discussão, ficam ambos horrorizados perante o aspeto monstruoso de Erik. Quinze dias depois, Christine consegue que este a liberte, na condição de que use o anel que lhe dá e lhe seja fiel.
Christine encontra-se com Raoul, que fica feliz de a ver de volta, e conta o que lhe tinha acontecido. Passeiam no interior do teatro da Ópera e, no telhado, declaram o seu amor mútuo. Raoul propõe levá-la para onde Erik nunca a possa encontrar e pede-lhe para fugirem imediatamente. Desconhecendo que estão a ser observados pelo fantasma, a bondosa Christine recusa ir embora sem cantar para Erik pela última vez, e combinam fugir na noite seguinte, depois do espetáculo, onde faz o papel de Margarida, a amada de Fausto, em substituição de Carlotta que se encontra doente desde o escândalo.
Na noite seguinte, Erik sequestra Christine em plena representação de “Fausto” e leva-a para a sua cave. Erik quer casar com ela imediatamente e afirma que, se recusar, vai detonar explosivos e destruir a casa da ópera. Raoul, ajudado pelo Persa, um velho conhecido de Erik, conseguem chegar ao local, mas ficam aprisionados na câmara de tortura de Erik. Ao dar-se conta da situação, Christine concorda em se casar com Erik, para tentar salvar a vida de Raoul. Christine quer mostrar a Erik a sua boa intenção dando-lhe um beijo na testa e, quando levanta a máscara, este emociona-se e revela que nunca recebeu um beijo (nem mesmo da sua própria mãe), nem beijou ninguém e nunca se sentiu tão perto de outro ser humano. Christine emociona-se também e choram juntos. Erik fica tão feliz que liberta o Persa e Raoul e permite que levem Christine, mas com duas condições: que Christine o vá visitar no dia da sua morte, para lhe devolver o anel de ouro; que o Persa prometa publicar no jornal a notícia da sua morte, porque vai morrer em breve “de amor”. De facto, algum tempo depois, um jornal local recebe e publica um anúncio simples: “Erik está morto”. Christine regressa ao covil de Erik e enterra-o com o anel de ouro, num local onde nunca vá ser encontrado, conforme ele tinha pedido.
A obra destaca-se pela atmosfera intensa e pelo modo como cria suspense em torno da personagem do fantasma que, afinal, é um homem deformado com aspeto monstruoso chamado Erik. A sua relação com Christine Daaé revela temas como a obsessão, a solidão, o amor não correspondido e o desejo de reconhecimento, tão próprios do ser humano. A narrativa é envolvente, marcada por segredos, passagens ocultas e momentos de grande tensão.
Embora o estilo possa parecer por vezes melodramático, o romance capta o interesse do leitor pela originalidade do enredo, pelo ritmo intenso e pela força simbólica das suas personagens. No geral, “O Fantasma da Ópera” é uma leitura cativante e marcante, que recomendo a quem aprecia histórias de mistério, paixão e tragédia.
Esopo e La Fontaine são considerados os maiores fabulistas de sempre. Esopo foi um fabulista grego, que teria vivido na Grécia antiga entre o século VII e o VI a. C. e Jean de La Fontaine foi um poeta e fabulista francês nascido em Château-Thierry em 1621 e falecido em Paris 1695. Algumas das fábulas mais conhecidas são “A Lebre e a Tartaruga”, “O Leão e o Rato”, “O Lobo e o Cordeiro”, “A Cigarra e a Formiga” e “A Raposa e o Corvo”.
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“Cerromaior”, publicado em 1943, é o primeiro dos dois romances de Manuel da Fonseca e uma obra importante do Neorrealismo português. A ação decorre numa vila alentejana imaginária, que os críticos acreditam ser uma metáfora de Santiago do Cacém, a cidade natal do autor, marcada pela desigualdade social, pela miséria dos trabalhadores rurais e pelo domínio dos grandes proprietários. Através deste espaço fechado e opressivo, o autor retrata uma sociedade dividida entre os que mandam e os que sofrem, revelando uma forte preocupação social e humana.
A narrativa acompanha sobretudo Adriano, uma personagem ligada à burguesia local, mas progressivamente consciente das injustiças que o rodeiam. Ao longo da obra, Adriano observa a pobreza, a exploração e a violência exercida sobre os mais frágeis, em especial os trabalhadores do campo, nomeadamente pelo seu primo, o irascível e prepotente Carlos Runa. Essa tomada de consciência aproxima-o dos oprimidos e afasta-o do mundo social a que pertence por origem. Neste contexto, assumem relevância as personagens Doninha o carteiro louco, o bêbedo Zé da Água, Tóino Revel e a sua mulher Bia Rosa, Inácia e o seu homem Valmansinho, a órfã Antoninha e especialmente o poeta popular e vagabundo Maltês. A prisão, presente no início e no fim do romance, funciona como símbolo da repressão, mas também como sinal do percurso de aprendizagem e transformação interior do personagem.
Um dos aspetos mais relevantes de “Cerromaior” é a forma como Manuel da Fonseca transforma a vila num símbolo de um país desigual e reprimido. “Cerromaior” não é apenas um cenário: é um espaço social onde se concentram a pobreza, o medo, a hipocrisia e a injustiça. As personagens representam diferentes grupos sociais, desde os senhores ligados à propriedade e ao poder, até aos ceifeiros, desempregados e marginalizados. Assim, o romance denuncia as condições duras da vida rural alentejana e mostra a falta de liberdade, num contexto histórico marcado pela censura e pela repressão.
Adriano é a personagem central porque vive um processo de descoberta moral e social. A sua evolução aproxima o romance de uma narrativa de formação: ele deixa de ser apenas o observador inicial e passa a compreender melhor o sofrimento coletivo. Outras figuras, como Doninha ou os trabalhadores rurais, reforçam a dimensão trágica e humana da obra.
A escrita de Manuel da Fonseca é simples, direta e expressiva, mas essa aparente simplicidade torna a denúncia social mais intensa. O autor evita uma intriga excessivamente fechada e privilegia a construção de ambientes, símbolos e conflitos interiores.
Na minha opinião, “Cerromaior” é uma obra exigente, mas muito significativa. Pode não ser um romance de leitura rápida, porque dá grande importância ao ambiente social e psicológico, mas essa característica torna-o mais profundo. O livro leva o leitor a refletir sobre a injustiça, a pobreza e a responsabilidade individual perante o sofrimento dos outros. A personagem de Adriano é particularmente interessante, pois mostra que a consciência social nasce muitas vezes do contacto direto com a realidade, e da recusa em permanecer indiferente. Esta personagem criou algum constrangimento entre Manuel da Fonseca e os teóricos do Neorrealismo, que preconizavam a queda da burguesia e não concebiam uma amizade entre pessoas das duas classes sociais.
Em conclusão, “Cerromaior” é uma obra fundamental para compreender o Neorrealismo português e a literatura de intervenção social. Manuel da Fonseca constrói um retrato duro, mas humano, de uma comunidade dominada pela desigualdade e pela repressão. Pela força simbólica do espaço, pela evolução de Adriano e pela denúncia das injustiças sociais, o romance mantém atualidade como uma reflexão sobre dignidade, liberdade e solidariedade, e aconselho mesmo muito a sua leitura.
Augusto Gil foi um poeta português nascido na freguesia de Lordelo do Ouro na cidade do Porto em 1870 e falecido em Lisboa em 1929. O seu poema mais conhecido é a “Balada da Neve” que faz parte da coletânea “Luar de Janeiro”, considerada a sua obra-prima.
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“E Tudo o Vento Levou”, considerado uma das obras mais marcantes da literatura popular do século XX, é um romance da escritora americana Margaret Mitchell, publicado pela primeira vez em 1936. Situado no contexto da Guerra Civil Americana e do período de Reconstrução, acompanha a trajetória de Scarlett O’Hara, uma jovem determinada, orgulhosa e profundamente complexa. Mais do que uma narrativa romântica, a obra apresenta um retrato amplo de uma sociedade em transformação, combinando drama histórico, conflito psicológico e crítica social.
No centro da narrativa está Scarlett O’Hara, uma jovem mimada, vaidosa, sempre rodeada de apaixonados, que é a filha mais velha de proprietários rurais do sul dos Estados Unidos. Mas Scarlett vê este mundo de sonho ruir com o início e o avanço da guerra. Habituada ao conforto e à atenção social, Scarlett é forçada a amadurecer num cenário de perda, fome e instabilidade social e política. Forçada pelas circunstâncias, casa-se com Charles Hamilton, Frank Kennedy e Rhett Butler, por esta ordem, desejando sempre ser casada com Ashley Wilkes, o seu amor romântico de infância, e tem um filho de cada marido, crianças a que não tem verdadeiro afeto de mãe. A sua relação com Rhett Butler, o seu verdadeiro marido, porque os casamentos anteriores foram meramente episódicos, vai marcar uma grande parte do enredo. Butler é violento, calculista, mas também franco e sincero, contribuindo para a evolução de Scarlett e compreensão por esta das regras impostas pelos yankees vencedores. O traço mais marcante do romance é, portanto, a evolução da protagonista, cuja capacidade de adaptação e sobrevivência a torna simultaneamente uma pessoa admirável, mas também moralmente ambígua. Determinada e resiliente, vai conseguir reerguer o prestígio passado da família, mas à custa de muitos sacrifícios, nunca conseguindo, porém, a sua realização pessoal, o seu bem-estar e a sua felicidade, num Sul profundamente afetado pelas consequências da guerra.
Um dos aspetos mais interessantes da obra é precisamente a construção de Scarlett, a evolução desta personagem ao longo das cerca de 1100 páginas do romance. Longe do modelo tradicional da heroína virtuosa, ela é egoísta, impulsiva e obstinada, mas também resiliente e inteligente. Essa complexidade psicológica confere profundidade ao romance e impede leituras simplistas. Paralelamente, Margaret Mitchell revela grande habilidade na recriação do ambiente histórico, descrevendo com detalhe a decadência do sul aristocrático e o impacto devastador da guerra sobre as estruturas sociais e familiares do modo de vida sulista, assente na agricultura e na mão de obra escrava. Progressivamente, famílias habituadas a serem servidas por multidões de escravos, vão ter de evoluir e se adaptar à nova ordem social. Quem sempre viveu nas suas mansões rurais e nunca trabalhou, vai ter de viver em apartamentos urbanos, criar os seus negócios ou trabalhar nas suas explorações. E quem não se consegue adaptar vai, fatalmente, ser triturado pelo sistema.
Do ponto de vista estilístico, a narrativa é fluida e envolvente, com um ritmo que alterna entre momentos de intimidade emocional e episódios de grande intensidade dramática. A dimensão épica do romance explica parte do seu enorme sucesso junto do público. Ainda assim, a leitura contemporânea da obra exige distanciamento crítico, uma vez que o romance apresenta uma visão idealizada do sul esclavagista e reproduz perspetivas racialmente problemáticas. Este aspeto torna o livro simultaneamente importante enquanto documento cultural e discutível no plano ideológico.
Em síntese, “E Tudo o Vento Levou” é um romance de grande fôlego narrativo, memorável pela força das suas personagens e pela recriação de um período histórico traumático, mas fundamental para o american way of life como hoje o conhecemos. Apesar das reservas que nos suscita por representar a escravatura e a sociedade sulista de uma forma que hoje não é considerada aceitável, continua a ser uma obra relevante para compreender tanto a tradição do romance histórico como os valores e contradições do contexto em que foi escrita. Ler Margaret Mitchell hoje implica, portanto, reconhecer o poder literário do texto sem ignorar os seus limites éticos e históricos.
Máximo Gorki foi um romancista, dramaturgo, contista e ativista político russo, nascido em Nijni Novgorod em 1868 e falecido em Moscovo em 1936. As suas obras mais conhecidas são o romance “A Mãe” e “A Infância”, o 1º volume de uma trilogia autobiográfica.
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“Canto de Mim Mesmo” (“Song of Myself” no original), poema central de “Folhas de Erva” de Walt Whitman, aqui editado autonomamente, é uma das obras mais marcantes da poesia moderna. Publicado originalmente em 1855 e integrado nas várias edições do grande projeto poético de Walt Whitman, ao qual dedicou toda a sua vida, este texto apresenta-se como uma celebração do eu, da democracia, do corpo e da comunhão entre o indivíduo e o universo. A sua força inovadora está tanto na liberdade formal como na ambição de dar voz a uma visão totalizante da experiência humana.
Um dos aspetos mais impressionantes da obra é a forma como Whitman transforma o “eu” poético numa entidade simultaneamente pessoal e universal. Ao celebrar-se a si mesmo, o poeta celebra também todos os seres humanos, recusando hierarquias sociais, morais ou espirituais. O poema defende uma visão profundamente democrática da existência: cada corpo, cada gesto e cada vida possuem dignidade própria. A natureza surge igualmente como espaço de revelação e unidade, onde o sujeito encontra uma ligação íntima com tudo o que o rodeia. Celebrando-se a si mesmo, celebra consigo o mundo material, o espiritual e o divino. Não recusa qualquer fé, doutrina ou religião.
A sua dor, assim como o seu prazer, é a dor ou o prazer de todos, de tudo. Da mesma forma, o sofrimento e a exultação de alguém é igualmente sofrimento e exultação do poeta. Um bom exemplo é o poema nº 34 em que Whitman revive o “assassínio a sangue-frio de quatrocentos e doze rapazes” na sequência da rendição do Álamo, ocorrida quando ele tinha dezasseis anos.
Do ponto de vista formal, “Canto de Mim Mesmo” rompe com os modelos tradicionais da poesia do seu tempo. Whitman adota o verso livre, as enumerações longas e o ritmo discursivo, criando uma cadência que lembra simultaneamente a oralidade, o sermão e o canto épico. Algo semelhante à prosa, não há métrica, não há rima, não há um esquema estrófico. Essa escrita expansiva pode, por vezes, parecer excessiva ou repetitiva, mas é precisamente nela que reside grande parte da sua originalidade: o poema quer abarcar o mundo inteiro, diria mesmo o imenso universo, e por isso recusa os limites convencionais da forma poética.
Em suma, “Canto de Mim Mesmo” é uma obra exigente, mas profundamente recompensadora. A sua leitura convida o leitor a repensar a relação entre identidade, liberdade, natureza e comunidade, num movimento de abertura ao outro e ao mundo. Mais do que um simples poema autobiográfico, trata-se de uma declaração de fé na humanidade e na potência criadora da palavra. Por isso, continua a ser uma leitura atual e indispensável para quem procura compreender a modernidade poética e os seus ideais de emancipação.
“Reinações de Narizinho” publicado em 1931 por Monteiro Lobato reúne diversas histórias do “Sítio do Picapau Amarelo” publicadas anteriormente de forma isolada. A obra consolidou uma maneira inovadora de escrever para crianças, juntando fantasia, oralidade e referências da cultura brasileira.
A maioria das histórias reunidas em “Reinações de Narizinho” passam-se no “Sítio do Picapau Amarelo” no interior do Brasil, tendo como personagens a avó Dona Benta, os seus netos Narizinho e Pedrinho e a velha empregada negra Tia Nastácia. A esses personagens acrescem entidades criadas ou animadas pela imaginação das crianças do Sítio: a irreverente boneca de pano Emília, o aristocrático boneco de sabugo de milho Visconde de Sabugosa, a vaca Mocha, o burro Conselheiro e o porco Rabicó. Mas muitas das aventuras passam-se em mundos de fantasia inventados pelas crianças ou em histórias contadas por Dona Benta ao serão. Os dois universos são interligados, para que as histórias e lendas contadas pela avó se tornem cenário para o faz-de-conta, incrementado pelo dia-a-dia dos acontecimentos no Sítio.
A força das personagens é fundamental para o encanto da narrativa: Narizinho representa a curiosidade e o espírito aventureiro; a boneca Emília, com a sua irreverência, introduz humor e crítica; Dona Benta encarna o saber e a interligação entre a imaginação e o conhecimento; e Visconde de Sabugosa simboliza a inteligência curiosa e inventiva.
“Reinações de Narizinho” reúne as seguintes histórias: “Narizinho arrebitado”, “O marquês de Rabicó”, “O casamento de Narizinho”, “Aventuras do príncipe”, “O Gato Félix”, “A cara de coruja”, “O irmão de Pinóquio”, “O circo de cavalinhos”, “A pena de papagaio” e “O pó de pirlimpimpim”.
Lobato revela neste e noutros dos seus livros, as influências que recebeu de outros autores de obras infantis, como os fabulistas clássicos Esopo e La Fontaine, bem como personagens dos desenhos animados que então surgiam nas telas do cinema, como o Capuchinho Vermelho, o Peter Pan, o Gato das Botas e outros. As crianças do Sítio visitavam e eram visitados por todas estas personagens.
Do ponto de vista narrativo, a estrutura em episódios favorece uma leitura dinâmica, variada e mais atrativa para as crianças. A combinação de realidade e fantasia é um dos maiores méritos do livro, pois amplia o horizonte imaginativo do público infantil sem perder o vínculo com a experiência concreta da infância.
A linguagem de Monteiro Lobato é fluida, viva e acessível, marcada por diálogos ágeis e por um tom coloquial que aproxima o texto do leitor. Essa oralidade dá naturalidade à narrativa e contribui para a permanência do livro no imaginário das crianças de diferentes gerações.
Escrito há cerca de um século, “Reinações de Narizinho” deve ser reconhecido pela sua importância histórica e estética, imaginação criativa e forte diálogo com diferentes tradições narrativas, sendo de realçar o importante papel que exerceu na formação da literatura infantil brasileira. No entanto, a sua leitura exige uma contextualização, já que certos aspetos da obra refletem visões sociais daquele tempo que hoje suscitam debate e podem ser mal interpretadas. Por isso, exige uma análise crítica que valorize a sua contribuição literária sem ignorar as tensões históricas que a atravessam.
Em síntese, “Reinações de Narizinho” permanece uma leitura relevante pela inventividade, pela força das suas personagens e pela influência que exerceu na formação da literatura infantil brasileira. É uma obra que convida ao encantamento, mas também à reflexão, mostrando que os clássicos se mantêm vivos justamente porque permitem novas interpretações ao longo do tempo.
Honoré de Balzac foi um escritor francês nascido em 1799 em Tours, e falecido em 1850 em Paris, autor de “A Comédia Humana”, um conjunto de 95 romances, novelas e contos que procuram retratar todos os níveis da sociedade francesa da época, em particular a florescente burguesia, entre os quais os romances “Eugénia Grandet”, “O Pai Goriot” e “A Mulher de Trinta Anos”.
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